Critique de « Marty Supreme » : Timothée Chalamet apporte l’énergie du chaos à cette comédie sportive aux proportions mythiques

La ville de New York n'est pas vraiment un personnage dans Marty Suprême car c'est le dixième cercle de l'enfer, à partir duquel l'arnaqueur désespéré et aux yeux écarquillés Marty Mauser (Timothée Chalamet) espère se lancer vers la célébrité du ping-pong. Ce qui ressemble, de loin, à un biopic d’époque banal – Mauser est vaguement basé sur la flamboyante star juive du sport new-yorkais Marty Reisman – devient rapidement une fièvre délirante et trempée de sueur qui refuse de se calmer. Mais malgré tout son chaos, les réflexions du film après la Seconde Guerre mondiale sont loin d’être aléatoires. Autant que Marty Suprême est l’histoire tumultueuse, propulsive et explosive d’un outsider sportif, elle parle aussi de la naïveté vibrante de la jeunesse, des angoisses du judaïsme moderne et du chahut sans vergogne provoqué par quelqu’un qui ignore l’histoire tout en essayant d’y laisser sa marque.

Le réalisateur Josh Safdie – la moitié du duo fraternel derrière Bon moment et Pierres précieuses non taillées – fait équipe avec plusieurs de ses collaborateurs habituels et se lance dans une perfusion intraveineuse impie de Red Bull et de carburéacteur. Il est deux heures et demie Rocheux -saga dans laquelle le montage traditionnel d'entraînement de retour se déroule dans son propre détour de crime cinétique, sur un berger allemand nommé Moïse et son propriétaire mâcheur de paysages (Abel Ferrara). L'écran se remplit d'une cavalcade de visages inattendus (et merveilleusement humains), comme Josh et son frère Benny ont longtemps choisi parmi des non-professionnels. Mais alors que la récente sortie de Benny, La machine fracassante , foulé convaincant mais familier terrain biopic, Marty Suprême gratte cette démangeaison très particulière, résolument juive et profondément anxiogène pour laquelle les Safdies sont devenus connus avec des thrillers new-yorkais comme Dieu sait quoi .

La tension de l’étau des films précédents du duo s’exprime largement dans l’effort solo de Safdie. La caméra frénétique, gracieuseté du directeur de la photographie Darius Khondji, capture l'ensemble tentaculaire et sous tension autour de virages serrés et avec de longues lentilles qui les surveillent dans des quartiers intimes. Le passage immédiat du film aux gros plans et aux arguments qui se chevauchent nous plonge dans le grand bain alors qu'il présente sa liste, du Mauser qui parle vite, à son oncle autoritaire Murray Norkin (Larry Ratso Sloman) dont il travaille toujours dans un magasin de chaussures délabré, à sa meilleure amie d'enfance mariée Rachel Mizler (Odessa A'zion), une vendeuse d'animalerie avec qui il a toujours une aventure - et bien d'autres encore. Après avoir tenu sans enthousiasme son obéissant cousin Llyod (Ralph Colucci) sous la menace d'une arme, Mauser récupère l'argent dont il a besoin pour s'envoler pour Londres pour un grand open de tennis de table.

Nous sommes en 1952. Le sport est toujours en plein essor et la Seconde Guerre mondiale est à peine dans le champ de vision des gens, mais cela n’empêche pas Mauser, 23 ans, de s’exprimer en pensant [à larguer] une troisième bombe atomique sur ses adversaires japonais, ou [à faire] ce qu’Auschwitz n’a pas pu faire face à son rival juif hongrois et survivant de l’Holocauste, Béla Kletzki (Géza Röhrig). Je peux dire que je suis juif, plaisante-t-il à la presse enthousiaste, comme si Safdie cherchait la permission d’aller dans des endroits pleins d’esprit et extrêmement inconfortables. Mauser et Kletzki sont amis, et l'Américain vif exhorte même son ami plus âgé à raconter des histoires des camps, ne serait-ce que pour se distraire afin de pouvoir draguer l'ancienne star hollywoodienne et invitée du Ritz, Kay Stone (Gwyneth Paltrow), l'objet d'âge moyen de son regard arrogant et mono-sourcil.

Derrière d'épaisses lunettes octogonales, Mauser harcèle et séduit Stone, un rôle qui constitue le retour dramatique de Paltrow après de nombreuses années et lui offre la chance de franchir une ligne fine entre le désir et l'épuisement. Elle voit clair dans les conneries juvéniles de Mauser, mais elle en est aussi charmée. Tout au long de l'exécution, le vendeur à la langue d'argent doit également naviguer sous l'œil vigilant du mari en colère de Stone, Milton Rockwell ( Réservoir de requins (Kevin O'Leary, invoquant une splendide performance des profondeurs de l'enfer), un riche magnat de l'encre et de la plume dont l'intérêt pour la carrière de Mauser est purement financier. Après avoir perdu face au virtuose japonais sourd Koto Endo (Koto Kawaguchi) – le seul personnage qui traverse calmement la cacophonie du film – un Mauser abattu est obligé de retourner dans l'obscurité la plus profonde de l'appartement exigu du Lower East Side qu'il partage avec sa mère autoritaire (Fran Drescher). Il doit se débrouiller pour retourner au prochain tournoi au Japon, tout en devant également faire face à la réalité selon laquelle Rachel est enceinte et que le bébé pourrait être le sien. Des détours s’ensuivent, et plus encore.

Les rires et les sensations fortes du film naissent non seulement des idiosyncrasies insensibles des personnages, mais aussi de scènes sportives de globe-trotter rapidement montées et d'une structure de ping-pong appropriée qui envoie Mauser voler entre des situations loufoques à la vitesse du son. La performance brûlante de Chalamet crée un égocentrique captivant et profondément identifiable qui pense pouvoir se sortir de n’importe quelle situation – même d’un accident de voiture. C’est un menteur expert, si convaincant qu’il peut modifier ses convictions fondamentales si cela lui permet de gagner rapidement de l’argent. Mauser est un idiot rusé, mais Chalamet pourrait secrètement être l'homme le plus intelligent d'Hollywood moderne, étant donné la façon dont il enveloppe chaque principe de l'histoire et de la conception autour de lui pour façonner sa conception du personnage. Son équilibre débraillé et blessé, sa prestation motrice et son ambition vorace propulsent le film vers l'avant, invoquant chaque scène suivante alors que Mauser saute pratiquement hors de sa peau. Il est impatient de passer à autre chose ; le prochain pari, le prochain jeu, le prochain échelon de la célébrité.

Des sous-sols sombres et des hôtels miteux accueillent ce voyage périlleux, chacun rendu avec l'intensité des salles d'interrogatoire. Peu de films depuis la comédie de fin de soirée de Martin Scorsese Après les heures d'ouverture ont présenté New York comme un espace envahissant, déterminé à empêcher une personne de simplement s'en sortir. Cette énergie oppressante est la pierre d’achoppement parfaite pour Mauser, qui tente de maintenir un idéalisme d’après-guerre malgré les pincettes dans sa poche, donnant naissance à une croyance sans entrave dans le monde et dans sa capacité à le façonner. Une fois qu'il a renoué avec Rachel, le film commence à prendre des propriétés étranges, presque mystiques. L’argent et les opportunités tombent sur les genoux de Mauser – le film en a trop Deus Ex Machina compter - seulement pour que l'athlète entreprenant essaie de manger son gâteau, de l'avoir aussi et de le baiser aussi.

Tout dans cette histoire de luxure, d’avidité et d’ego incontrôlé est imprégné d’une signification pratiquement religieuse, grâce aux zooms lents de la caméra et aux push-ins séduisants. L’approche visuelle de Safdie crée un sentiment de mystère urgent autour de chaque personne et objet, en particulier lorsqu’elle est soutenue par la partition éthérée et chatoyante de Daniel Lopatin, qui submerge le paysage sonore dans la veine de Vangelis au sommet de sa puissance dans les années 1980. Associé au déploiement pointu de succès du milieu des années 80 comme le morceau synth-pop d’Alphaville Pour toujours jeune et la ballade pop-rock de Tears for Fears Tout le monde veut gouverner le monde , le film est acoustiquement décalé dans le temps et le style. Comme Mauser, il a hâte d’avancer. Le plus souvent, il fait écho au genre d’indie new-yorkais hyper-actif popularisé par John Cassavetes et d’autres non-conformistes du Lower East Side du cinéma No Wave des années 70 et 80, filtré à travers un budget énorme et une lentille ecclésiastique.

Mauser, coincé entre son rôle prédéterminé dans le commerce de détail et ses rêves de célébrité, prend rapidement des dimensions de classe avec des couches théologiques surprenantes. Bientôt, un débat dramatisé sur le libre arbitre et l’existence d’une divinité bienveillante émerge subtilement du chaos. Un conte empreint de sûr , ou doute rabbinique, le film semble demander : s’il existe un dieu, est-il même du côté de Mauser ? Aucune de ces questions sombres et comiques n'est abordée explicitement, dans les dialogues, mais le film sonde l'idée de foi de nombreuses manières, y compris et surtout en présentant un capitalisme moderne et gentil (incarné par l'impitoyable Rockwell) à la fois comme une source constante de tentation et d'anxiété pour Mauser, et comme un mythe de la création hollywoodien effrontément inversé. Les débuts de l'industrie cinématographique américaine étaient autrefois le refuge des dirigeants et créateurs juifs qui, dans les années précédant la Seconde Guerre mondiale, réussi grâce à l'assimilation en présentant au public des stars gentiles. Marty Suprême renverse complètement cette compréhension du monde du cinéma (et du monde en général, modifié par un conflit mondial), avec un magnat des affaires WASP espérant parrainer un athlète juif en tant qu'artiste à embaucher. Dans cette ère reconstructionniste – financièrement et dans le sens du judaïsme reconstructionniste nord-américain – tout semble possible. Cependant, pour Mauser, accepter l’accord de Rockwell signifierait organiser un prochain match et ainsi détruire l’avenir qu’il souhaite et croit mériter en tant que personnage destiné à la grandeur, même s’il pense qu’il est saboté à chaque instant.

Marty Suprême est un film de création de mythes en crise. Mauser n'arrive pas à se décider sur une trame de fond, mais lorsque Kletzki raconte sa propre histoire de compromis moral et de survie dans les camps nazis, c'est la seule fois où le film passe à un flash-back, solidifiant une bienveillance si magnifiquement étrange qu'elle finit par devenir sacrée. Dans la mémoire de Kletzki, il tombe sur une ruche et se savonne la poitrine avec du miel afin que ses codétenus puissent le lécher pour se nourrir. Étrange à l’oreille, mais magnifique à voir (et composé comme un opéra baroque), c’est un rare moment de répit face au subterfuge haletant de Mauser et à la claustrophobie générale du film. Cela nous donne une vision éclatante de ce à quoi pourrait même ressembler la présence de Dieu, dans un film rempli de personnages cyniques poursuivant la religion de l’argent et de la gloire. Il est difficile de ne pas se demander si Mauser serait un jour aussi altruiste.

Il est peu probable qu’il le fasse, du moins lors de notre première rencontre. Le film n’en est que meilleur, étant donné les escapades sauvages et rusées de Mauser dans des tournois de tennis de table clandestins – dont il bouscule les joueurs amateurs avec son meilleur ami qui souffre depuis longtemps, Wally (Tyler Okonma, alias le rappeur Tyler the Creator) – et ses démêlés bruyants avec une gamme de personnages hauts en couleur, comme un chien-nappeur au visage de pierre joué par le légendaire magicien de la scène de Vegas, Penn Jillette. La prédominance d’autres types d’interprètes dans ces rôles d’acteur renforce les questions d’authenticité du film, dans un monde qui exige de se vendre pour atteindre la grandeur. Tout le monde joue à tout moment dans Marty Suprême , mais une force invisible et allégorique continue d’évoquer des leçons d’ironie dramatique qui font dérailler leurs tromperies. Pour chaque faux braquage, diamant accessoire, fausse blessure ou imitation d'arme à feu, il y en a généralement un vrai qui se cache juste au coin de la rue, décuplant les enjeux en tournant toutes les vis possibles.

Et pourtant, le film lui-même ne peut s’empêcher d’inventer d’étranges mensonges au service d’un divertissement hollywoodien plus complet et désarmant. Le fait de présenter les années 1950 comme un état de transition sociétale conduit à de nombreuses mythologies ; Mauser n’était peut-être pas réel, mais il est né de l’admiration de Safdie et du co-scénariste Ronald Bronstein pour une personne réelle. Le film retrace l’invention fictive de la balle de tennis de table orange (qui, en réalité, n’apparaîtra que des décennies plus tard), ainsi que la première utilisation de la célèbre poignée de ce sport (dont les véritables origines sont plus nébuleuses), et même ce qui semble être le début du jeu de méthode moderne, lors d’un détour où Mauser visite l’une des répétitions scéniques de Stone dans le but de la séduire/l’escroquer.

Peu d’œuvres dans l’Hollywood moderne se sont penchées sur la folie de la jeunesse avec autant d’enthousiasme, et encore moins ont été alimentées par une telle adrénaline non-stop, en route vers une catharsis aussi joyeuse. Il n’y a rien de tel.

Safdie va même jusqu'à confronter Mauser aux Grandes Pyramides, qui, selon le jeune escroc, ont été construites par des esclaves juifs ( un mythe commun ), l'exhortant à les vandaliser et à en retirer un morceau en guise de souvenir légitime. Il est motivé, avant tout, par une croyance quasi fanatique dans ce qui lui est dû – une vision pratiquement sioniste qui se démantèle lentement. Ce qui ne veut en aucun cas dire que Marty Suprême est un chape politique, ou que cette dissection est totalement intentionnelle, mais sa période et le déploiement cynique des récits de l’holocauste par Mauser font écho à des idées distinctes entourant l’identité politique actuelle. Comme Pierres précieuses non taillées avant lui (ce qui a incité les éditeurs de Courants juifs tenir un réunion d'urgence sur la judéité moderne), Marty Suprême est imprégné des frictions contemporaines de la foi et de la culture juives, probablement issues des idées de Safdie. propre éducation par un père juif non religieux. Après tout, quelle meilleure façon de réconcilier le spirituel et le viscéral qu’un protagoniste aux origines mondaines, qui se croit divin ?

L'expression de cette divinité se fait à travers la texture physique. Le grain du film 35 mm semble vivant ; chaque surface semble incandescente ; chaque joue rougeâtre et chaque front trempé de sueur palpitent de vie. Les actes de création abondent Marty Suprême , y compris dans la scène de générique d’ouverture la plus audacieuse de l’année, dont la représentation d’un orgasme en coulisses se transforme de manière hilarante en un gros plan microscopique de la conception elle-même. Le résultat est une aventure magnifiquement perverse motivée par le simple pouvoir de la croyance, produisant une intensité déchirante et une quantité de sang choquante. Toutes ces fioritures servent à susciter des activités individualistes aussi terriblement solitaires que revigorantes – comme le rêve américain manifesté dans toute sa folie et sa complexité. Peu d’œuvres dans l’Hollywood moderne se sont penchées sur la folie de la jeunesse avec autant d’enthousiasme, et encore moins ont été alimentées par une telle adrénaline non-stop, en route vers une catharsis aussi joyeuse. Il n’y a rien de tel.

Marty Suprême sortira par A24 dans certaines salles le jour de Noël 2025.

Siddhant Adlakha ( @SiddhantAdlakha ) est un critique de cinéma et auteur d'essais vidéo basé à New York, originaire de Mumbai. Il est membre du New York Film Critics Circle et son travail a été publié dans le New York Times, Variety. le Guardian et le New York Magazine.